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Programación de la Cineteca Nacional Chihuahua

PROGRAMACIÓN CINETECA CHIHUAHUA DE NOVIEMBRE

A sus ordenes en la sala de Usos múltiples del Centro Cultural Carlos Montemayor.

CINETECA PRESENTA EL CICLO TALENTO EMERGENTE

 

Por segundo año consecutivo Cineteca Chihuahua presenta a los nuevos directores que han marcado el cine mundial en 2016 y 2017 es un ciclo de cine con el que Cineteca Nacional busca acercar óperas primas y segundas películas de directores internacionales y mexicanos a nuevas audiencias. Su tercera edición tendrá lugar del 8 al 30 de Noviembre e incluirá 14 cintas provenientes de Argentina, Chile, Perú, Ecuador, México, Suecia, Estados Unidos, Grecia, China y Sudáfrica.

 

 

Alba

22 de Noviembre a las 7:30

Ecuador-México-Grecia, 2016, 98 min.

Clasificación: B

Director: Ana Cristina Barragán

Guión: Ana Cristina Barragán.

Fotografía en Color: Simon Brauer.

Música: Jaime Juárez.

Edición: Yibran Asuad.

Reparto: Macarena Arias (Alba), Pablo Aguirre Andrade (Igor) y Amaia Merino (mamá). Con Participación: Caleidoscopio Cine.

Producción: Isabela Parra, Ramiro Ruiz, Konstantina Stravrianou e Irini Vougioukalou. Distribuidora: Brava Cinema.

 

Sinopsis

Armando rompecabezas y creaciones que nacen de su imaginación, Alba es una niña solitaria e introvertida de once años. Cuando tras una complicación de salud, su madre es internada en el hospital, la pequeña se verá obligada a vivir con Igor, su padre, un hombre que resulta casi un extraño para ella. La ausencia de la madre, la inevitable mutación hacia la adolescencia y el dolor que conlleva el fin de la infancia se conjugan en ésta, la opera prima de la joven cineastas ecuatoriana Ana Cristina Barragán. Alba es una obra que, a través de los colores fríos y los susurros incesantes de los personajes, construye una película que evoca con encanto y realismo la transición de su protagonista.

Premios

 

2016 Mejor Opera Prima. Festival de Cine de Lima. Perú. | Premio Lions. Festival Internacional de Cine de Róterdam.Países Bajos.| Premio FIPRESCI. Cinélatino, Encuentros de Toulouse. Francia.| Premio del Público. Festival Internacional de Cine de las Alturas. Jujuy, Argentina. | Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Mujeres. Colonia / Dortmund, Alemania. | Premio del Público. Cine Latino. Tübinga, Alemania.

 

Ana Cristina Barragán

Quito, Ecuador, 1987

Tras estudiar Cine en la Universidad San Francisco de Quito, se dedicó a la realización de cortometrajes que, al igual que Alba, su opera prima, exploraban el tema de la adolescencia. Lo que comenzó como el tema de su tesis se convirtió en el guion de su primera película de larga duración, la cual la ha llevado a recolectar un puñado de éxitos.

Crítica

 

El sabor del primer beso, la extrañeza de sentirse ajeno, el inestable vaivén del fin de la infancia, la nostalgia por el hogar, los cambios casi irreconocibles en el cuerpo: la adolescencia, la corrosión de la inocencia. Alba juega, Alba ríe, sueña e imagina. Las horas transcurren dentro del hermetismo de su pequeño universo, el cual comparte solamente con su madre, y con las criaturas que nacen de su imaginación, no hay nadie más. Alba no tiene amigas, es una intrusa en la normalidad de su entorno, una anomalía.

La cinta debut de Ana Cristina Barragán representa una entrañable aproximación autobiográfica a una etapa tan excitante como dolorosa: la transición que acompaña a la adolescencia. Haciendo uso de elementos construidos con mesura, como una paleta de colores que resalta el blanco de las paredes, el verde de los jardines solitarios y el azul del cielo asfixiante, Alba es un filme que evoca sensaciones ya enterradas, que parecían caducas. Produce un incesante carrusel de recuerdos, los de la pubertad, donde la crueldad está disfrazada de inocencia.

Con planos cerrados y el constante uso de shaky camera, el filme relata el porvenir de una pequeña de once años que, después de que su madre sufre un episodio de gravedad que pone en riesgo su vida, debe mudarse con su casi desconocido padre. Es así como Alba –encarnada de manera sobresaliente por la actriz debutante Macarena Arias– se ve en la necesidad de construir un lazo familiar con un hombre que, para ella, es poco más que un extraño.

De esta manera, padre e hija se verán obligados a desempolvar una relación ya atemporal, a reconstruir la dinámica familiar con recuerdos que se encuentran grabados en la celulosa de los álbumes, en los rasgos físicos que no saben mentir, en la frialdad de una relación que se asemeja más bien un contrato. Lo que al inicio parece un tedioso infierno, se convierte en un singular intento por hallar la normalidad; al ritmo de una necia balada –“Eres tú”, de la banda española Mocedades– Alba descubrirá el mundo.

 

Astrid García Oseguera

Cineteca Nacional

28 de agosto de 2017, Ciudad de México

 

 

Días cortos

23 de Noviembre a las 7:30
Short Stay, Estados Unidos, 2016, 61 min
Clasificación: B
Director: Ted Fendt
Guión: Ted Fendt.
Fotografía en Color: SageEinarsen.
Música: Sean Dunn.
Edición: Ted FendtCon: Mike MacCherone (Mike), Dan Faro (Dan), Elizabeth Soltan (Liz), Marta Sicinska (Marta) y Mark Simmons (Mark).
Producción: Ted Fendt, Blake LaRue, Graham Swon y Britni West.
Distribuidora: La Ola.

Sinopsis
Mike es un treintañero que se encuentra estancado en la cotidianidad: vive con su madre, trabaja en una pizzería y frecuenta a los amigos que conocía desde la infancia. Después de asistir a una fiesta, decide cambiar totalmente el modus vivendi al que estaba acostumbrado, mudándose de Nueva Jersey a Filadelfia e iniciando una nueva vida como guía turístico. Días cortos construye un retrato realista acerca de la inagotable incertidumbre que acarrea la vida adulta, al plantear cuestionamientos sobre la verdadera importancia de las pequeñas decisiones a partir de una estética y forma de producción que se asemeja a las propuestas por la Nueva Ola francesa.

 

 

Premios

2016Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine Independiente de Lisboa, Indie Lisboa. Portugal. | Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Jeonju. Corea del Sur. | Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania.

 

Ted Fendt

Filadelfia, Estados Unidos, 1989
Tras su paso por la Universidad de Nueva York, se ha dedicado a realizar audiovisuales independientes. Admirador de la Nueva Ola francesa, ha dirigido cinco cortometrajes y un filme de larga duración, en los que se ha apoyado en actores no profesionales para explorar la condición humana durante la modernidad.

 

 

Crítica

Instalado en la ciudad de Nueva Jersey, Mike, el protagonista de la cinta debut de Ted Fendt, es el prototipo de una persona etérea: su presencia no genera impacto alguno en su círculo social. Las aventuras e infortunios de este individuo no se alejan de lo común: después de trabajar por varios años en una pequeña pizzería del barrio donde ha vivido siempre, se le presenta la oportunidad de mudarse a Filadelfia para probar suerte como guía turístico de la ciudad.

La construcción de un producto de larga duración que cobra sentido alrededor de un personaje como Mike, quien resulta tan detestable como enigmático, se convierte en una verdadera hazaña para el director, sintetizandocasi cinco meses en la vida del protagonistaa través de pequeñas escenas que no logran convertirse en secuenciasdurante los 61 minutos de metraje. En el filme, lo importante no radica en la sucesión de una acción, sino en el flujo constante de las ideas y perspectivas que tienen lugar en la convivencia de los personajes.

Con diálogos mayormente improvisados, Días cortos se asemeja a un protagonistacuyo porvenir resulta impredecible. En su cinta debut,Fendt no busca construir una premisa en donde el espectador se encuentre a la espera del clímax, sino que pretende mostrar pequeñas situaciones que se comportan como un universo aislado, con un inicio y desenlace propios; es a través de estos instantes que transcurre de manera casi imperceptible la totalidad de la obra.

Más que un manifiesto esperanzador acerca de la belleza escondida en todo acto o individuo ordinario, la cinta se convierte en una peculiar propuesta que explora la intimidad de un personaje que en pocas ocasiones tenemos la oportunidad de observar –y comprender. Es así como, a través de una estética fotográfica que se apega al realismo del documental, Días cortos se posiciona como una radiografía del aburrimiento, el tedio y el desaliento inherentes a la vida adulta.

 

Astrid García Oseguera

Cineteca Nacional

Ciudad de México, 30 de agosto de 2017

 

 

La casa más grande del mundo

24 de Noviembre a las 7:30
Guatemala-México, 2015, 74 min.
Clasificación: A
Director: Ana V. Bojórquez y Lucía Carreras.
Guión: Edgar Sajcabun y Ana V. Bojórquez.
Fotografía en Color: Álvaro Rodríguez.
Música: Pascual Reyes.
Edición: León Felipe González.
Reparto: Gloria López (Rocío), María López (Ixchumilá), Elder Escobedo (Ajpú), Fabiana Ortiz (abuela), Daniel Ramírez (viejo), Myriam Bravo (madre).
Con Participación: Prisma Cine, Filmadora Producciones, Underdog. Prod: Sandra Paredes y Ana V. Bojórquez.
Distribuidora: Underdog.

Sinopsis
Rocío es una niña que vive en las montañas del altiplano occidental de Guatemala. Cuando su madre empieza a tener contracciones que anuncian un parto adelantado, deberá pasear sola al rebaño de ovejas a través de los pastizales. Sin embargo, su tarea se dificulta cuando pierde a un cordero y el resto de la manada se extravía, por lo que emprenderá un viaje para buscarles. Codirigida por la debutante Ana V. Bojórquez y Lucía Carreras, coguionista de La jaula de oro (2013) de Diego Quemada-Díez, La casa más grande del mundo es un retrato minimalista de la odisea de Rocío en un entorno que sirve como metáfora de los miedos y alegrías de la infancia en un ambiente definido por la feminidad y la naturaleza.

 

 

Premios y festivales

2015 Premio Especial del Jurado. Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. España. | Selección oficial de la sección GenerationKplus. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. | Selección oficial de la sección Largometraje Mexicano. Festival Internacional de Cine de Morelia. México.

Ana V. Bojórquez | Lucía Carreras

Ciudad de Guatemala, 1978 | Ciudad de México, 1973
Ana V. Bojórquez estudió cine en la EICTV de San Antonio de los Baños, Cuba, donde se especializó en fotografía. Lucía Carreras debutó como directora con la cinta Nos vemos, papá (2012) y es coguionista de Año bisiesto (2010) de Michael Rowe y La jaula de oro (2013) de Diego Quemada-Díez.

 

Crítica

Imaginemos un día en las montañas, con una enorme llanura para jugar y un puente de madera sobre el arroyo que desciende entre los nublados bosques o los soleados pastizales que sirven para alimentar a las ovejas. Pensemos en los volcánicos terrenos de Guatemala, sitios últimamente explorados por producciones fílmicas recientes como Ixcanul(2015), dirigida por Jayro Bustamante, que muestra la atmósfera de una familia aislada de lo que llamamos “modernidad”.

La casa más grande del mundosigue por esta línea. Codirigido por la debutante Ana V. Bojórquez y la guionista y realizadora mexicana Lucía Carreras, el filme retrata la historia de Rocío, una niña ganadera obligada a cuidar el rebaño de ovejas cuando su madre da a luz en una aislada granja en la sierra. Lo que parece ser un día normal cambia cuando pierde a un cordero y a la manada entera, dando pie a un viaje en el cual la suerte se traduce en una especie de autodescubrimiento.

Aunque la premisa podría dar lugar a una prototípica odisea nativa, combinando lugares montañosos, personajes que hablan español y dialectos mayas, y una mujer que tiene un bebé sin saber nada del padre, el universo plasmado por Bojórquez y Carreras esquiva estas convenciones al optar por una narrativa minimalista que muestra los temores y alegrías de la infancia en un entorno alejado del estigma social o el victimismo. Los paisajes retratados por la cámara de Álvaro Rodríguez sirven como metáfora de la inocencia de Rocío y la búsqueda de su identidad, diseñada aquí sin la obsesión indigenista que suelen tener las historias de este tipo. Por el contrario, la decisión de las directoras por filmar una película sencilla que diseccionala intimidad de una niña a partir del significado de la responsabilidad, hace de esta cinta una entrañable fábula sobre el reconocimiento de la naturaleza como ese hogar en el cual uno puede crecer y reconocerse.

 

Edgar Aldape Morales

Cineteca Nacional

Ciudad de México, 30 de agosto de 2017

 

 

La mujer joven

25 de Noviembre a las 7:30

Jeune femme,Francia, 2017, 97 min.

Clasificación: B15

Director: LéonorSerraille.

Guión: LéonorSerraille.

Fotografía en Color: Émilie Noblet.

Música: JulieRoué.

Edición: ClémenceCarré.

Reparto: LaetitiaDosch (Paula), GrégoireMonsaingeon (Joachim), SouleymaneSeyeNdiaye (Ousmane), LéonieSimaga (Yuki), Lila-Rose Gilberti (Lila), Nathalie Richard (madre de Paula), Erika Sainte (madre de Lila).

Con Participación: Blue MondayProductions.

Producción: Sandra da Fonseca.

Production Company: Cineteca Nacional.

 

Sinopsis

Después de una larga ausencia, Paula regresa a París para reencontrarse con su novio, sin embargo, éste ya no quiere saber nada de ella. Sin dineroni el apoyo de su familia, esta treintañera iniciará un recorrido por la ciudad para buscar alojo y trabajo, a través de una serie de divertidos encuentros con diferentes personas. La opera prima de LéonorSerraille es el retrato de una mujer que oscila entre un enérgico optimismo y una alocada agitación, interpretadamagistralmente por la actrizLaetitiaDosch. Ganadora de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes, la película se destaca por ser una comedia agridulce que tiene como telón de fondo las calles del barrio de Montparnasse.

 

Premios y festivales

2017 Cámara de Oro. Festival de Cine de Cannes. Francia. |Premio del Jurado de la Competencia de largometrajes franceses. Festival de Cine de los Campos Elíseos. París, Francia. | Selección Oficial de la sección Horizontes. Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary. República Checa.

 

LéonorSerraille

Francia, 1986

Estudió guion en la célebre escuela de cine de París, La Fémis. Trabajó como guionista en cortometrajes como TangMeng (2013) y Lil ‘Sister (2013). Su primer trabajo como directora fue el mediometraje Body (2016). Es la segunda mujer en ser reconocida conla Cámara de Oro en el Festival de Cannes.

 

Crítica

La puerta que Paula intenta abrir desesperadamente al inicio de La mujer joven, no sólo es la de su exnovio que ya no quiere saber nada de ella, sino la de toda una ciudad que permanecerá cerrada para la protagonista sin aparentes posibilidades de dejarla entrar. Premiada con la Cámara de Oro en Cannes, el primer largometraje de la directora LéonorSerraille sigue a esta treintañera recién llegada a París después de una larga ausencia, sin dinero ni lugar para alojarse, a través de una serie de encuentros (o mejor dicho desencuentros) y desventuras que oscilan entre el drama y la comedia.

LaetitiaDosch interpreta de manera remarcable a Paula, una mujer de contrastes que por momentos la hacen odiosa y en otros, entrañable. Es un mono salvaje, como bien la definen en la película, llena de una energía emocional explosiva de la que parece no tener control. Irónicamente, es una persona ordenada con las cosas a su alrededor. Las situaciones que deberá enfrentar están marcadas por la soledad y el rechazo de amigos, familia y empleadores, pero el personaje está dotado de una humanidad tan palpable que hacen de su crisis una tragicomedia urbana. Es el relato de una mujer que irá reconstruyéndose pieza por pieza, intentando adaptarse a cada situación con gritos, golpes, lágrimas, mentiras, verdades y risas.

La sencillez es la carta de presentación de Serraille. La directora confecciona el calvario emocional de Paula sobre una estructura de cortes directos que evaden tanto anticipaciones como redundancias dramáticas innecesarias. Sin pensarlo demasiado, nos coloca de lleno en los momentos más esenciales de una experiencia íntima que no se deja enmudecer por la indiferencia de una ciudad despersonalizada. Así, nos recuerda que la vida es arrojarse sin saber si va a doler o no, el chiste es aferrarse neciamente a ella. Como la misma Paula declara en un inicio frente a la cámara, casi a modo de confesionario con el público: «Al diablo ser inmortal. Por primera vez quiero tener el coraje de ser mortal».

 

Israel Ruiz Arreola, Wachito

Cineteca Nacional

Ciudad de México, 05 de septiembre de 2017

 

 

La novia del desierto

29 de Noviembre a las 7:30

Argentina-Chile, 2017,78 min.

Clasificación: B

Director: Cecilia Atán y Valeria Pivato.

Guión: Cecilia Atán y Valeria Pivato.

Fotografía en Color: Sergio Armstrong.

Música: Leo Sujatovich.

Edición: Andrea Chignoli.

Reparto: Paulina García (Teresa), Claudio Rissi (el Gringo).

Con Participación: El Perro en la Luna, Ceibita Films.

Producción: Eva Lauría, Alejo Crisóstomo, Cecilia Atán, Valeria Pivato y Raúl Aragón.

Production Company: Cineteca Nacional.

 

Sinopsis

Teresa, una tímida empleada doméstica de 54 años, se ve forzada a mudarse de Buenos Aires a la provincia de San Juan cuando la familia para la que trabajaba decide vender la casa, dejándola a la deriva. Durante su viaje, pierde la maleta en la que cargaba sus pertenencias. Este incidente la llevará a conocer a un hombre apodado “el Gringo”, quien se convertirá en su nuevo compañero de ruta. El árido paisaje del norte de Argentina sirve como telón de fondo para la opera prima de las cineastas Cecilia Atán y Valeria Pivato, en la cual su protagonista, interpretada por la formidable actriz chilena Paulina García, transita por una entrañable odisea que la hará ver la vida de forma diferente.

 

Premios y festivales

 

2017Premio del Jurado a la mejor opera prima. Festival de Cine de Lima. Perú | Premio Cine en Construcción y Premio Especial Cine+. Cinélatino, Encuentros de Toulouse. Francia. | Selección oficial de la sección Una cierta mirada. Festival de Cannes. Francia. | Selección oficial de la Competencia Internacional. SANFIC Festival Internacional de Cine. Santiago de Chile.

 

Cecilia Atán | Valeria Pivato

Buenos Aires, Argentina, 1978 | Buenos Aires, 1973

Cecilia Atán filmó su primer cortometraje, El mar, en 2012. Tres años después dirigió la serie documental Madres de Plaza de Mayo, la historia. Valeria Pivatotrabajó como supervisora de guion en El secreto de sus ojos (2010) de Juan José Campanella. La novia del desierto es la opera prima de ambas.

Crítica

 

La Difunta Correa es una extraña figura mítica de la cultura popular del norte de Argentina. La historia de esta mujer que se adentró en el desierto con su recién nacido en busca de su marido genera tal devoción que muchos la consideran casi como una santa. La leyenda cuenta que murió de sed, razón por la que los que pasan por el lugar dejan botellas de agua junto a las imágenes que decoran su santuario. Sin embargo, el bebé consiguió amamantarse del cadáver de su madre hasta que unos arrieros lo salvaron.

En este paisaje, Cecilia Atán y Valeria Pivato construyen la historia de dos almas solitarias que, como ellas mismas dicen, «son dos piedras más en el camino». Teresa, una empleada doméstica de Buenos Aires, se ve forzada a mudarse a [la provincia de] San Juan cuando la familia para la que trabajaba cambia de residencia. En su viaje, un despiste le hace perder su maleta, pero encuentra a un hombre apodado “el Gringo” que la acompañará en su búsqueda por encontrarla.

El Gringo y Teresa bien podrían ser una dislocación de la figura de la Difunta Correa y su marido. Ella, abatida y triste, tiene que cruzar el desierto para continuar con su vida. Él conduce su casa rodante vendiendo productos de pueblo en pueblo. Es entre las casas aisladas y nubes de polvo donde ambos encontrarán un refugio nuevo. Atán y Pivato utilizan el entorno para componer bellos encuadres en los que, poco a poco, los dos personajes se acercan. Las realizadoras argentinas crean una imagen que nunca se ve forzada o artificialmente estilizada. Al contrario, saben integrar a la perfección la aridez del paisaje en una historia que cada vez se va volviendo más cálida, pese a que el desierto actúa como la metáfora perfecta de la soledad y el abatimiento al que se enfrenta Teresa. El peso de la película recae en Paulina García, actriz excelsa que ofrece una interpretación formidable. Ella, junto al gusto visual de las directoras, son lo mejor de una película sencilla que supera las expectativas de una opera prima.

 

Fragmentos de un texto de Víctor Blanes Picó

El antepenúltimo mohicano

Cannes, 28 de mayo de 2017

 

 

Alguien con quien hablar

30 de Noviembre a las 7:30

Yi ju dingyiwan ju,China, 2016, 107 min.
Clasificación: B15
Director: YulinLiu.
Guión: ZhenyunLiu, basada en su novela Yi ju dingyiwan ju.
Fotografía en Color: Di Wu.
Música: Peng-Peng Gong.
Edición: ZhongYijuan.
Reparto: Hai Mao (AiguoNiu), Qian Li (Lina Pang), PeiLiu (AixiangNiu), Wei Fan (JiefangSong). Con Participación: Beijing Tugu Culture Communication, Beijing WeiyingShidai Technology Co., Beijing Yuanshan Culture & Communication, Old Western Village Pictures.
Producción: ZhiqiangJiang.
Distribuidora: Edko Films/Instituto Confucio.

Sinopsis
En la dicha de su juventud, Aiguo y Lina llegaron entusiasmados al registro civil para contraer matrimonio. Ahora, diez años más tarde, ya no pueden dirigirse la palabra por mucho tiempo y están al borde del divorcio; mientras ella busca en los brazos de Jiefang lo que no tiene con su marido, él recurre desesperado a los consejos de su hermana (también desdichada en el amor) y de sus viejos amigos. La opera prima de YulinLiu adapta directamente la exitosa novela homónima escrita por su padre, ZhenyunLiu, para hacer una observación sobre las dificultades que existen en la comunicación interpersonal moderna.

 

 

Premios y festivales

2017 Nominación al Premio al Mejor Actor. Premios del Gremio de Directores de Cine de China. China.

2016 Nominación al Caballo de Oro. Festival de Cine del Caballo de Oro. China. | Nominación al Premio Nuevas Corrientes. Festival de Cine de Busan. Corea del Sur.

YulinLiu

Pekín, China, 1987
Hija del novelista chino ZhenyunLiu, obtuvo la Maestría en Bellas Artes por la TischSchool of theArtsen Nueva York. En 2014, fue una de los estudiantes de cine que fueron seleccionados por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Estados Unidos para los Premios Estudiantiles de la Academia, donde ganó la categoría de Narrativa.

 

 

Crítica

Tiene un pasmo indeleble que petrifica su rostro durante toda la película y pocos podrían atinarle un reclamo justo por su despecho. Su matrimonio ha colapsado y él parece no haberse dado cuenta de las señales hasta que reventaron inconfundibles frente a sus ojos espías: su amada Lina cenando con otro hombre, riendo como no lo ha hecho en mucho tiempo y platicando con la ligereza de una persona sin compromisos. Queda claro, por la incomprensión que expresa un semblante de angustia creciente, que Aiguo no entiende lo que está pasando.

Como un comentario agridulce y resentido sobre las parejas desconectadas, Alguien con quien hablar sigue los esfuerzos del zapatero abandonado por arrancarse esa estupefacción perpetua de la cara. Los únicos recursos sensatos que tiene a su alcance para hacerlo son los consejos de su gente cercana (su hermana soltera, resignada a los sitios web de citas decepcionantes, sus compañeros de trabajo infantiles e insensibles) en una red de encuentros cafeteros que traducen los cara-a-cara propios de la comedia romántica estadounidense a los escenarios de una urbanidad asiática moderna, desembarazada y, sobre todo, alienante.

Mientras se pronuncia la brecha comunicativa entre nuevos y viejos amantes, el relato mismo propone la manera de sanarla a través de una observación reincidente al lenguaje corporal ajeno: la cámara atiende al gesto de las manos en situaciones que bien pueden ser mundanas (el oficio activo de darle forma a un zapato) o dolorosamente personales (la enmienda de un certificado conyugal con cinta adhesiva), siempre pendiente de aquella sustancia cuyo peso afectivo no es tan fácil de comprender como la conexión verbal a la que los personajes de esta tragicomedia tienen en una estima desmedida. Después de todo, fue una imagen –la prueba de un feliz adulterio– y no una conversación la que hizo despertar a Aiguo, demostrándole que, para volver a la intimidad, es necesario aprender a escuchar en más de una sola manera.

 

Rodrigo Garay Ysita

25 de agosto de 2017

 

PREMIERE ESPECIAL DE CINE CONORENSE EN CINETECA

CHIHUAHUA.

 

El Callejón

Día 21 de Noviembre Presentación especial

 

Directora: Caro Duarte

País de producción: México

Año de producción: 2017

Producción: La Nova Films

Reparto: Perla Encinas, Alex Olivas, América Barrón, Juan Carlos Valdez, Carmelina Encinas, Alicia Encinas, Rosela Plascencia, Andrés Llanes

Guionista: Caro Duarte

Canciones originales: 8 segundos Música Country

Directores de fotografía: Caro Duarte, Paco Espinoza

Score original: Isaac Peña

Diseño de producción: Viridiana Plascencia

Diseño de imagen: Patthiee Duarte

Género: Romance

Productor en línea: Luis Oliver

 

Sinopsis

Andrea, una mujer que vive en un tranquilo pueblo del norte de México se enamora de Paul, un joven cantante de música country quien regresa al pueblo donde vivieron sus padres. Andrea lucha contra su propia moral, ya que ella sigue casada con un hombre del que no se sabe su paradero desde hace un año.